Cuando se habla de la existencia del cine colombiano –el cual creo que no se debería pensar cono cine, sino como audiovisual–, solo se piensa en largometrajes. Es por eso que si uno va a Patrimonio Fílmico y mira los libros –muy buenos, eso no lo niego– que ha editado, todos hacen referencia a los largometrajes como parte de esta historia del audiovisual. ¿Qué sucede entonces con los cortometrajes? ¿Realmente hay alguien que quiera dedicarse a esto con el mismo profesionalismo que a realizar hora y media? ¿El corto no está subvalorado?

[sigue…]

Recuerdos de mi papá, pocos; entre ellos siempre se encuentra James Bond. Debía tener unos 7 años y el buen fanático de mi padre hizo que sus dos hijos se vieran todas las películas del agente 007, lo que incluía que no nos perdiéramos un solo estreno. Me encanta. Me parece el seductor más violento y aguerrido que existe. Cuando después aprendí a armar personajes, me di cuenta de que es un cliché un poco vacio e inhumano… pero igual de seductor que siempre.

Hay opiniones encontradas sobre Quantum of Solace, la última versión de la saga del 007: unos dicen que es muy mala, otros dicen que es maravillosa. Abandoné la saga por cuestión de tiempo, pero los afiches promocionales con los que invadieron Bogotá son demasiado provocativos como para no ir a ver a Daniel Craig, el actual Bond, en acción. Conclusión: a mí me gustó, pero sé que si es fan de la saga no le va a "matar" tanto. A continuación, explico por qué.

[sigue…]

Falté a mi cita semanal con ustedes, eso es porque estuve en asuntos de salud en un hospital. Y sí, allí, aburrida, donde rondan los vivos y los muertos, cansada de tener que dormir en una silla, vi esta película, la cual es inspiración para este artículo y que me parece apropiada por estas épocas: mes de brujas, donde cuanto canal de películas existe, aprovecha para pasar algunas de miedo, suspenso y ciencia ficción. Esta película tiene de las tres y mucho más.

Plan 9 del espacio exterior (Plan 9 From Outer Space), hecha en 1959, de Eduard D. Wood Jr. es calificada como la mejor de este director, considerado el peor que ha existido en la historia del cine. No es fácil de conseguir, y la versión que tengo realmente es de muy baja calidad, aparte de que la película de por sí tiene todas esas cosas que le dicen a uno en la escuela de cine que no debe hacer. Pero con todo y eso, la recomiendo como lo mejor que pueden ver para esta temporada.

[sigue…]

¿Qué tan malos son los estereotipos? ¿Existirá el ‘auténtico’ que no es un estereotipo sino alguien ‘original’? Me encontré, según un par de comentarios, con que mi artículo anterior cayó en estereotipos. No me disculpo, ni digo que fue en broma, es más: fue tan en serio como los otros que he escrito en esta columna. Lo mejor fue que eso me dio la posibilidad de hablar de una de mis películas favoritas, de la cual quería escribir un artículo, pero no sabía cómo relacionarlo, con qué tema.

La película: The Breakfast Club, traducida como El Club de los Cinco, dirigida y escrita por John Hughes (escribió Home Alone (Mi pobre angelito), Beethoven, 101 Dalmatians, Flubber y Made in Manhattan). Considerada como un ícono clásico norteamericano de la década de los 80 sobre lo que significa estar en secundaria, una de los temas favoritos de los estadounidenses, protagonizado por la reina de las comedias de la época y un prometedor galán latino: Molly Ringwald y Emilio Estevez. Supe de ella en uno de esos famosos conteos de un canal que se dedica a exaltar lo clásico y después la vi por primera vez allí. La volví a ver para escribir este artículo y me emocionó aún más que la primera. ¿Por qué? Porque todos de alguna manera hemos vivido lo mismo que estos cinco estudiantes.

[sigue…]

No sé si los mitos sobre lo que hablan los hombres –fútbol, carros y sexo- sean ciertos. Y, sin ser inocente, sé que dedican a esto buena parte del tiempo, y es normal. Tan normal como que tres amigas, una tarde de domingo,  desocupadas, se pongan a hablar de comedias románticas y de aquellos actores que, aunque no sean los más hermosos físicamente, nos han hecho suspirar. Sí, hablo de la saga romántica de películas como las de Julia Roberts: Pretty Woman, Notting Hill, Runaway Bride, Mona Lisa Smile y otras de las que no me logro acordar.

Las comedias románticas son planes de chicas. Y ellos, estos actores que se han tomado el tiempo de aceptar una historia, casi siempre escrita por nosotras, solo para idealizar ese modelo femenino, son los chicos de las chicas. Entre estos chicos que nombramos en esa noche de niñas, pasamos por todo: desde Darien y/o Tuxedo Mask de Sailor Moon, quien quedó como el ganador indiscutible pero no entra en esta lista por no ser de carne y hueso; hasta Jude Law, declarado alguna vez el hombre más sexy de este planeta en películas como Alfie o The Holiday.

[sigue…]

La tendencia de la mayoría es olvidarse de que el audiovisual es eso: audio más algo visual. Al ir al cine, uno se maravilla por la historia, por los efectos, las actuaciones, la fotografía y todo lo demás que se le puede cruzar por la mente, pero pocos realmente piensan en el sonido, lo que llamamos banda sonora, que no es únicamente la música, sino todo aquello que encierra el universo sonoro. Pero hoy quiero hablar de esas canciones, de esos discos que traen a la mente imágenes de eso que vimos en la sala… de cine o de la casa.

[sigue…]

Se cuentan con los dedos de la mano. ¡Son diez! La 10a. edición de la Muestra Internacional Documental es un evento que adquirido fuerza propia y ofrece al público colombiano la oportunidad única de ver, verse y ser visto. ¡El exquisito colmo del exhibicionismo-voyeurismo documental!

Ricardo Restrepo
Director, Muestra Internacional Documental
Corporación Colombiana de Documentalistas, Alados-Colombia

Afiche promocional de la muestra

Por formación, siento una afinidad más fuerte hacia la ficción que hacia el documental. Pero a medida que fui avanzando en mi vida profesional, me di cuenta de algo: el espejo de un grupo social, de una comunidad, de un país, está muy ligado a su producción artística, a la producción de imágenes que reflejen lo que son. El problema del cine colombiano, hasta hace poco, se debía en gran parte a la falta de gente que lo vea: por un lado, no es rentable. Por otro, sin público no hay cine. Ese era mi pensamiento para el argumental.

El documental es el verdadero espejo. La ficción son sombras, interpretaciones que otras personas hacen de la vida. El documental es la vida a través de la cámara y el ojo de otra persona. Y, dentro de mi ignorancia, creí que el espacio para ver documental era algo inexistente… hasta que me encontré el lunes pasado, en el estreno de la Décima Muestra Internacional Documental, con sede en Bogotá, y una muestra itinerante en varias ciudades del país.

Así que sí. El espacio existe. El día del estreno, había mucha gente, como buen estreno. Vi un interesante retrato sobre una enfermedad extraña, afasia visual: físicamente ven, pero no se conecta con el cerebro y las personas no reconocen lo que ven. El tema, tratado en Más Allá del Espejo, del director español Joaquim Jordà, quien ya falleció, es un retrato íntimo: el director sufre de esta enfermedad. Lo que me gustó es que, aunque largo, es una historia compleja, contada de manera simple.

Pero volviendo a lo que quiero decir, me impresionó, que como buen estreno, toda era la misma gente del medio. Me supuse que simplemente, por ser con invitación, pues sería cotidiano ver a los mismos de siempre. Pero… en este país, ¿al público le interesa el documental? Supongo que después de diez muestras, uno concluiría que sí, pues es un número interesante y, para que un evento audiovisual se mantenga en este país, se necesita gente que vaya a verlo. Pero aún tengo mis dudas…

La Muestra Internacional Documental este año, tiene como invitado de honor a Francia. Escuchando a Ricardo Restrepo, comentaba que decidieron que este país fuera el invitado de honor pues su apoyo ha sido invaluable para la Muestra. Entonces, aparte de la selección nacional y la internacional, están la retrospectiva a Carlos Ferrand, la muestra de muestras, y la retrospectiva al director Nicolas Philibert y la muestra de Carta Blanca Canal ARTE.

Fui a esta última. Me llamaba la atención por los títulos: Architecture: Satolas TGV, Contacts: Henri Cartier-Bresson y Palettes: de la Tour. Entendiendo bien poco, porque son 3 documentales pero no hallaba la relación, llegó Thierry Garrel, director de la serie para Canal ARTE, explicándola: es una serie de documentales donde hacen documentales, no de un movimiento pictórico o arquitectónico, sino de una obra en específico. Tal fue el éxito de la serie que decidieron sacarla a la venta en pequeñas cajas: cincuenta mil vendidas, lo cual es muy bueno para un documental.

Precioso el comentario, pero la idea de escribir el artículo surgió en medio de la sala: la Cinemateca Distrital debe tener capacidad para, según mis cálculos, unas 150 ó 200 personas. En la sala, no habíamos más de 40. ¿El documental tiene espacio en el público? Evidentemente existe un público especializado, los que andamos metidos de cabeza en esta profesión y que queremos ver de todo. Pero aquel espectador, común y corriente, ¿ve documentales?

No creo que el espectador común vea más allá de los documentales televisivos de la National Geograpic –y eso–. Esto me lleva a hacer el siguiente paralelo: ¿saldría usted a la calle sin haberse mirado un espejo? No digo que por vanidad, hasta para cepillarse los dientes y el cabello, se mira al espejo. Entonces, ¿cómo una sociedad, un país, no ve documentales? ¿Acaso somos tan hermosos que no necesitamos vernos al espejo? ¿O tenemos miedo como narciso de caer en el espejo de agua?

En una de las charlas del Festival Malpensante, Iván Benavides, reconocido músico colombiano, hablaba del problema de identidad musical en el país, y decía que en realidad lo que hace falta es admitir lo que somos, reconocer que somos una mezcla de muchas cosas. Pienso que el documental es buen espejo, una buena manera de saber quiénes somos y quiénes son los demás, cuál es el mundo que nos rodea y aprender a identificarnos entre todos.

La Muestra aún no termina, pues va hasta este domingo 28 de septiembre, así que aún hay tiempo de ver muchos documentales, ya que está por toda Bogotá, en 8 diferentes salas; sólo es entrar a la página web de la Muestra y ver la programación. Además, en la Cinemateca Distrital, en las mañanas, se están realizando los encuentros documentales: conferencias con invitados internacionales. Todavía hay mucho por ver. Muchos espejos a los cuales mirarse.

Lo que me gusta de la virtualidad es la inmediatez en la retroalimentación. Uno escribe para que lo lean, y es interesante cuando en medio de esas respuestas encuentra uno algo que lo hace pensar. Eso sucedió con el comentario de Dashenka en el artículo anterior respecto a la onda Vintage o antigua en los videoclips, lo que generó la siguiente pregunta: si realmente lo ideal no es abusar de los estilos del pasado, ¿cómo definir la imagen del presente?…por lo menos para tenerla en cuenta.

Dentro de lo poco de este siglo XXI, que desde mi punto de vista es caótico y, por lo tanto, retrospectivo, en cuanto a imagen hay algunos que están tratando de hacer algo con un sello actual, lo que las revistas de moda llamarían Trend, o "tendencia". La contraparte del Vintage. Después de una semana larga de pensar, llegué a la conclusión que hay tres características del Trend actual en los videoclips, que es lo que hoy quiero compartir. Les aconsejo ver los videos, puede haber géneros que no sean de su agrado, pero las imágenes son muy poderosas.

Pero antes de comenzar, es indiscutible que la nueva ola de directores de video actuales no se puede despegar del cartel Director’s Label: Spike Jonze, Michel Gondry, Chris Cunningham, Anton Corbijn, Stephane Sednaoui, Jonathan Glazer y el principal, que se puede ver en todos los Trends: Mark Romanek. Lo que quiere decir que también el lenguaje del videoclip está llegando a una etapa de madurez, pues obviamente, lo que ellos trabajaron está empezando a verse cosechado. 

Trend minimalista

Es muy obvio el asunto de que "menos es más". Pero los videos de los ochenta habían llegado a un exceso que ahora se está tratando de depurar. Para este minimalismo lo especial es trabajar el blanco y negro, tendencia que Anton Corbijn impuso en trabajos como Atmosphere de Joy Division y Hero of the Day de Metallica, pero que ahora es blanco y negro luminoso gracias a 99 Problems de Jay Z, dirigido por Mark Romanek. Un hermoso ejemplo es American Boy de Estelle con Kanye West, dirigido por Syndrome: aprovechando los tonos de piel de los protagonistas crea un gran contraste con fondos blancos llenos de formas o manchones.  

Lo importante es quienes cantan, por lo que otro ejemplo sería Homecoming del mismo Kanye West con Chris Martin de Coldplay, dirigido por Hype Williams, un experto en videos de hip hop que está refinando su estilo hacia el minimalismo; esto se puede ver la sombra generada de Martin como un ícono constante, sumado a los reflejos del los espejos convexos. No es nada del otro mundo, pero es actual. El otro ejemplo que pongo es del mismo director: Viva La Vida de Coldplay, primera versión. En este video, ya aplicando algo de color, lo llamativo no es ver a Coldplay tocando (eso lo hace cualquier banda), sino la hermosa textura de cuadro en la que trabaja Williams. Lo mejor al final: la fragmentación de cada integrante. Muy, muy minimalista. 

Trend lumínico

Acá si debo hacer la referencia obligada: después que Mark Romanek perfeccionó su técnica de uso de la luz hasta llegar a Speed of Sound de Coldplay, todos empezaron a usar esta técnica. Desde Justin Timberlake con Let Me Talk To You, dirigido por Paul Hunter, hasta Juanes en Tres, dirigido por Vince Haycock, tienen el mismo aire. Pero para poner un buen ejemplo del uso de la luz en un video latinoamericano, hablemos de Puesto de Babasónicos, dirigido por Orilio Blandini del Grupo Doma. Nuestros protagonistas, vestidos de blanco, son complementados por una serie de figuras de colores flourescentes y líneas de luz. Un trabajo más con un propósito artístico que con la intención de contar una historia. De todas maneras, recomiendo ver los videos de Babasónicos, en total son 36 y cada uno tiene un estilo propio, latinoamericano, pero universal. 

Otro ejemplo de luces, que también se une con ese trabajo minimalista es Closer de Ne-Yo, dirigido por Melina Matsoukas, conocida también como Ms Melina. Me agrada porque no tiene el estilo común ni el conocido bling bling; tiene ese nuevo estilo más estilizado, gracias a la luz. En conjunto con una excelente tipografía, el hecho de que las luces vibren al ritmo de la canción, se generen zonas de luz que marquen al personaje y la silueta de Ne-Yo bailando con los característicos tubos de neón, dan una atmósfera adecuada, indicada para la canción. 

Trend surrealista

La idea de crear otros mundos, diferentes al real y más acordes con el artista, está empezando a dominar nuestras pantallas. Hay dos formas de realizar esta trend; la primera es a partir de animación. Existen muy buenos ejemplos, como La Excepción de Gustavo Cerati, dirigido por Ezequiel de San Pablo, y Happy Ending de Mika, dirigido por Nima Nourizadeh. En el primero, en el mismo sentido de la importancia del artista, vemos a Cerati en un mundo lleno de formas como la representación del sonido, a través del movimiento. Es evidente que está ligado con el arte del disco Ahí Vamos, lo que lo hace más fuerte: es su propio mundo. En el caso de Mika es mucho más evidente: el artista tiene un mundo muy definido, materializado por la increíble Sophie Muller en sus primeros videos. Pero Happy Ending es una canción atípica, pues no es alegre: triste despedida representada en un sueño melancólico, pero fantástico. La mejor parte: los muñecos que cantan. 

La otra forma de hacer ese mundo personal es la exageración. Joseph Kahn es muy bueno para esto y se puede ver en videos como When I Grow Up de Pussycat Dolls. Pero para buenas exageraciones dos: Falling Down de Duran Duran, dirigido por Anthony Mandler, que es el que encabeza este artículo -ya saben, vienen el 12 de noviembre a Bogotá-, y Pijamas de Babasónicos, dirigido por Agustín Alberdi, a quien admiro como director. En el primero, la decadencia absoluta de las modelos en rehabilitación, tan acorde con su álbum Red Carpet Massacre. En Pijamas, la exageración está presente de entrada con la música de Babasónicos, pero poner monjas entre haciendo skating y volando con panes franceses y cantarles a unas ovejas, es ya surrealismo puro. 

Al comienzo, pensaba que no teníamos una imagen definida para este siglo, pero creo que sí, solo falta más exploración. Espero les divierta tanto como a mí ver tantos videos.

Después de un par de temas importantes, pasemos a algo más ligero: igual, recordemos que lo audiovisual se hizo al principio solo para una cosa: entretener. Vintage es la palabra que la moda ha decidido usar para llamar a todo aquello que no pertenece al siglo XXI, que a alguien demasiado famoso se le ocurre volver a usar, y así ponerlo de moda. Así que no piensen en la revista Buenhogar que tiene la abuelita guardada o el libro de gimnasia de los setentas de la mamá: En Forma con Jane Fonda… No. Eso es viejo, no Vintage.

Siento, que en el medio musical y evidentemente en lo audiovisual que trae la música, o sea los videoclips, los buenos músicos han retomado una onda más bien Vintage, donde los 70, igual que los recuerdos de las mamás de uno, han regresado. ¡Y me encanta! Desafortunadamente los canales que por televisión paga uno puede tener no hacen justicia a muchos de los nuevos grupos, realmente buenos -no hablo de Paramore, no por favor-, no están colocando mucha atención a la buena imagen. Muestra de ello son los VMA (Video Music Awards) de MTV, en los cuales, en la categoría de Video del Año solo hay un verdadero videoclip que es bueno, realmente bueno: el de The Ting Things, Shut Up and Let Me Go, dirigido por Alex & Liane.

Hoy, les presentar a algunos, recordar a otros, 5 videos, que desde mi punto de vista, son los más representativos de esta era Vintage, pero que además, vale la pena verlos como sea, no importa que no los estén pasando en su canal favorito: siempre hay algo más allá de lo que sale en el televisor. Incluyo el nombre de los directores, pues ellos son los dueños reales de las imágenes.

Get Myself Into It de The Rapture. Dirigido por Ben Dickinson

The Rapture es una banda que descubrí por uno de los mejores inventos actuales, Last.fm. Su último álbum Pieces of People We Love es alegre, divertido, con esa onda retro que hace que todos queramos ir inmediatamente a bailar. Ben Dickinson, quien ha trabajado la mayoría de los videos de la banda, sabe exactamente que cuando se piensa en bailar, y bailar con alegría, solo hay un referente posible: Saturday Night Fever. Por eso, coloca a todos los integrantes de The Rapture, con trajes blancos, remembrando a John Travolta, en medio de una pista de patinaje, en un duelo por la chica de sus sueños. Glamoroso, luminoso. Ya no únicamente la canción lo pone a uno de buenas, sino que además, el video hace que uno quiera volver a sacar sus patines de cuatro ruedas.

Ready for the Floor de Hot Chip. Dirigido por Nima Nourizadeh

Ya el álbum de Hot Chip tiene su tiempo. Electrónica, con mezclas extrañas y una personalidad atrayente, lo que más me agrada es esa rembrembranza al Two Faces de Tommy Lee Jones de Batman Forever -de lo poco bueno que queda de esa película-. Bueno, para mí, pues la directora dice que es más un Joker al estilo Prince. Lo que más me agrada: que me parece que le da ese toque Vintage es esas persecuciones en coloridas, brillantes y llamativas escaleras donde parece que la estructura va a devorárselos para, al final, terminar en un museo. Me parece lo suficientemente original como para disfrutarlo, donde la directora demuestra porque hizo LDN para Lily Allen. De esta misma onda, junto con Hot Chip y The Rapture, también recomiendo !!! con Must Be de Moon, dirigido por el mismo Ben Dickinson.

Electric Feel de MGMT. Dirigido por Ray Tintori

El más Vintage de todos, con chroma keys muy mal elaborados, solo con un sentido: generar ese sentimiento psicodélico de finales de los 60 y muy, muy entrados los 70’s con el abuso de drogas. La canción es muy relajada, y dan ganas de hacer exactamente lo mismo que están haciendo los de MGMT: divertirse. La primera vez que vi ese video, era bastante tarde, y simplemente sentí que era sábado -no sé si realmente lo era, pero realmente lo sentí- y me dieron ganas de bailar. Las imágenes fueron las que me generaron eso, no la canción. Me agrada mucho, que este video demuestra que muchas veces, el ser absolutamente pulcro en la técnica no es necesario para transmitir lo que se desea.

Shine On de The Kooks. Dirigido por Charles Mehling

Canción romántica. Pero The Kooks es una de las mejores bandas que he oído en mucho tiempo. Lo Vintage en este video está directamente ligado con el arte: el vestuario, los decorados, el maquillaje, pero en especial el personaje protagonista femenino, es absolutamente setentas. Pero obviamente, es de la parte glamorosa. Los setenta también fueron una época de amor, obviamente no me refiero a un amor ambientado en Studio 54. Digamos que uno recuerda la otra parte de los setenta, no la disco, sino aquella donde algunos tenían un poco de inocencia. Sé que en parte es un sueño: es ahí donde nos llevan The Kooks. También es de resaltar los peinados, muy estilo Vintage. ¿Por qué no todos los chicos se pueden peinar así? Ahhh… sí: porque no a todos les sienta bien.

Standing Next To Me de The Last Shadow Puppets. Dirigido por Richard Ayoade.

Alex Turner. Su sola voz es Vintage puro. Pienso que debió haber nacido en otra época. Lo mejor para el final, pues el video que acompaña el artículo es este. El vocalista de Arctic Monkeys se ha unido con Miles Kane para sacar un proyecto ahora, pero con un sonido de hace tres décadas. Standing Next To Me tiene todos los elementos para ser considerado Vintage: con un principio lento y de pocas luces, después al ver las bailarinas con medias de colores bailando de una forma ingenua -como debían haber bailado las chicas que no van a la disco-, para después pasar a cámaras de televisión tan Vintage que simplemente uno solo puede disfrutar ver esos televisores de los setentas. De todas las bandas que puse, The Last Shadow Puppets es la que mejor imagen tiene. Recomendada.

Hay algo interesante respecto al videoclip: las cosas se están dando rápidamente. En realidad, uno no puede quedarse con lo que da MTV. Lo mejor no puede ser Jonas Brothers o Tokio Hotel -respetando las diferencias, pero pues… no es Mozart-. Espero que con estas recomendaciones les anime a ver más allá del televisor, pues muchas veces, la mejor música, los mejores videos, no son los de los 10 más pedidos.

De izquierda a derecha: Raúl Montaña de Formato 19K; Sasha Quintero, productora de Mujeres en la Cumbre; Yadith y Angélica, protagonistas de Mujeres en la cumbre (Foto: Diana Luque Lavado, especial para equinoXio)

Ciudad Bolívar es una localidad, un conjunto de barrios en la periferia de Bogotá. Como muchos barrios latinoamericanos, pertenece a los llamados cinturones de miseria, que surgen a partir de la violencia y pobreza generada en nuestros países y que hace que muchos vengan a la ciudad, el llamado desplazamiento. Este lugar, lleno de estigmas, también está lleno de historias, que la televisión ha explotado muchas veces solo para generar lástima y con ello rating.

Hace un par de años, conocí a Raúl Montaña y a Linda Mendoza, de Formato 19K. Tuve el honor de dictarles clase y ellos, a cambio, me mostraron que con ganas y mucho trabajo se puede hacer audiovisual, y sí, en Ciudad Bolívar. Me llamaron hace un par de semanas para invitarme a la premier de un trabajo en el que habían participado; el estreno se realizaba en el centro Juan Bosco, en el barrio Tesoro.

[sigue…]

Arriba izquierda: exposición sobre la animación en Colombia; arriba derecha: María Laura Moure de Patagonik Films; abajo izquierda: Carlos Reyes y Andrés Barrientos de En Agosto; abajo derecha: Tony Muller en el seminario de animación de personajes en Blender (Foto: Diana Luque Lavado, especial para equinoXio)

Aprendí muchas palabras la semana pasada. Mi medio de trabajo me lleva siempre a hablar, leer o escribir sobre cine argumental, o documental, pero sobre animación poco o nada sabía, hasta que llegué al Loop 2008: Festival Latinoamericano de Animación y Videojuegos que se lleva a cabo del 15 al 30 de agosto en Bogotá. Llegué no por un interés propio: me parecía un evento de pesados ñoños y adictos a la tecnología que ya he visto y no quiero repetir. Pero no.

[sigue…]

Obsession Can Change the World, el título de este artículo en inglés. Se podría decir que el mundo está cambiando por esa obsesión de tratar, como sea posible, de traer de vuelta el pasado. El cine norteamericano, y el latinoamericano también, está lleno de reconstrucciones de época, unas buenas, otras malas. Amo lo actualmente llamado novela histórica o Historical Fiction, y después de tanto bombardeo por los comerciales de People+Arts, decidí ver The Tudors, haciendo un excelente descubrimiento: la serie resultará muy interesante para el televidente común.

[sigue…]

Existe esa separación entre el denominado ‘cine comercial’ y ‘cine independiente’, que desde mi punto de vista está mandada a recoger, pues todo cine desea ser comercial: nadie trabaja en esta industria totalmente de gratis, y pues… cine independiente, ¿de qué? En fin… esa diferencia ha llevado a menospreciar el llamado ‘cine comercial’ y a exaltar aquellas cosas que todos dicen que son ‘cine arte’. También tengo mi objeción contra eso: un buen amigo que dijo que todo cine es arte de por sí, así que eso de ‘cine arte’ está mandado a recoger… Y estoy de acuerdo.

Esta introducción, para permitirme mostrar algunas similitudes entre una película actual, de cartelera, con un icono clásico del cine: The Dark Knight, de Christoper Nolan, con Citizen Kane (Ciudadano Kane), de Orson Wells. Suena sacrílego, pero la idea surgió en un momento de la película y fue creciendo a medida que pasó el tiempo. Supongo también que fue muy influida por el libro que me encontraba leyendo en ese momento: Raising Kane de Pauline Kael. Estos son los cinco puntos de similitud:

[sigue…]